지극히 얇고 투명한, 이미지와 현실 사이에서
민병직(대안공간 루프, 바이스 디렉터)
정상현 작가의 작업에서 이미지는 묘하고 의미 분방한 것들로 작동하는데 그 이유는 그가 이러한 이미지의 복잡, 다단한 현존재나 상태를 가시화시키기 위한 갖가지 장치들 혹은 이질적인 연결 접속의 장치, 실험을 통해 현실과 이미지, 실재와 가상의 유동적이고 가변적인 상황들을 드러내려 했기 때문인 듯싶다. 하지만 곰곰이 생각해보면 현실 이미지의 존재들이란 그렇게 애매모호하고 복잡한 것이 아닐지도 모른다. 다만 그 작동 방식이 다소 예민하고 미묘한 것은 사실인 것 같다. 문제는 이러한 상황 속에서 발생한다. 우리는 어쨌든 일상 곳곳에서, 수많은 매스 미디어가 토해내는 과잉 이미지들로 둘러싸인 이 세상을 현실의 삶으로 살아야 하기 때문이다. 그렇게 가상과 현실, 온/오프 라인을 넘나들며, 그 어느 때보다 유래 없이 변화무쌍하고 가변적인 흐름을 만들고 있는 이미지의 현실에 대해 어쩔 수 없이 알아야 하는 것이다. 하지만 그렇게 놀라거나 겁낼 필요는 없을 것 같다. 이미지의 현실적인 존재 양태들을 조금 더 조곤조곤 주시하고 그 의미변화들을 생각하면서 실재적 효과들을 분별하면 될 일들이기 때문이다. 작가가 이번 전시에서 전하는 것처럼 말이다.
이번 전시는 이렇게 이미지를 둘러싼 혹은 이미지를 대하는, 작가의 익숙하고 완숙한 사유와 태도를 보여준다. 현실과 가상, 혹은 환영 사이를 유동하는 갖가지 이미지의 존재양식에 대해 섣부른 문제의식을 바탕으로 한 실험적인 접근이 아닌, 오랜 사유 속에서 짐짓 여유 있는 태도로 느긋하고 완숙하게 이에 대한 생각들을 펼치고 있기 때문이다. 그동안의 작업들, 혹은 접근 방식들을 압축한 느낌이랄까, 작업에서 전해지는 단순하고 추상화 된 이미지들의 현전 방식이 깊이마저 더한다. 추상은 단지 단순화가 아니라 사유의 응축이자 또 다른 생성임을 보여주기라도 하듯, 이번 전시는 추상의 그것처럼 이미지의 현실적 존재를 다른 방식으로 현존시킨다. 그 고리가 되는 개념이 프레임인데, 기존 프레임 논리와는 사뭇 다른 차원이다. 이미지를 부각하거나 혹은 장식적으로 한정하고 제한하는 그런 개념이 아니라 이미지와 이미지를, 이미지와 현실을 무한히 연결 접속시킴으로써, 오히려 현실의 또 다른 물리적 현존으로 자리하는 프레임 개념으로 확장하고 있기 때문이다. 혹은 이러한 프레임과 더불어 살아갈 수밖에 없는 그런 다양한 현실과 상황들을 제시하는 식이다. 그렇지만 이 과정은 이미지들의 자유롭고 이질적인 연결들로, 혹은 자유자재로 흩어지고 접속하는 그런 방식이 아니라, 작가에 의해 사려 깊게 제안된 평면, 입체, 미디어의 기존 형식들을 통해서인데 이를 가시화시키는 응축되고 정제된 전시구성이 돋보인다. 이렇듯 정련된 형식들을 통해 밀도 있게 제시되었기에 오히려 이미지의 무한성의 강도가 더 강화되고 넓어질 수 있었던 것 같다. 수다한 이미지들의 변화무쌍함이 아니라 이미지 스스로로의 다양하고 묵직한 존재 양태를 단순하지만 깊이 있게 전하는 그런 느낌들 말이다.
이미지들이 쌓이면, 혹은 이미지들이 서로 병렬적으로 무한히 접해지면, 그렇게 프레임과 프레임이 만나면, 아니 프레임의 그 경계선들이 무한히 엷어지고 결국은 없어지게 되면, 이미지의 공간은 실재 현실의 공간을 이루게 되지 않을까. 이번 전시가 함축적으로 전하는 내용들이다. 다시 말해 개별 이미지를 분리시키고 한정시키면서 경계가 되는, 그런 프레임의 차원이 없어지게 되면 이 경우 말 그대로 현실 아닌가? 프레임이 무한해진다는 것은 이미지와 현실을 가로막고 있는 막이 엷어져 결국은 없어지게 된다는 것이고 프레임으로 인해 바깥도, 내부도, 그렇다고 어떤 경계도 아닌 상황을 구축하여, 현실에 다름 아닌 그런 차원을 열어놓게 된다. 이번 전시에서 작가가 시도하는 프레임의 설정도 이처럼 수많은 프레임을 통해 역설적으로 프레임 없음으로 향하게 되는 차원인데 이미지와 현실 사이에 놓인 지극히 얇고 투명한, 그렇게 결국은 그 간극조차 무화시킬 수 있는 그런 프레임 말이다.
모나리자의 프레임 이미지를 평면으로 출력하여 이를 가능한 무한히 중첩시켜, 그 자체가 프레임이 아니라 또 다른 입체적 현실의 작업으로 변모시킨 <모나리자>를 비롯하여, 화장실 타일 벽 이미지를 스티커로 출력시켜 이를 미니멀 한 벽면 작업으로 펼쳐놓은 <타일 벽>이나 철판과 각목 이미지가 출력된 스티커를 중첩시켜 입체적인 조형 작업으로 변모시킨 <철봉과 각목>, 화강암 이미지를 출력, 제본하여 두꺼운 책처럼 만든 <화강암 책> 모두, 이미지를 한정시키는 프레임의 기능이 무화되면서 현실의 사물로 변모된 작업들로 이미지의 물성, 혹은 그 현실적 무게감을 드러낸다. 프레임의 존재 방식이 이미지를 보안하고 장식하고 제한하는 것이 아니라 이미지들을 병렬적으로 무한 연결시키는 기능을 수행함으로써 또 다른 현실성을 획득하고 있음을 보여준다. 프레임 속에 프레임을 배치하여 심연의 공간을 형성했던 작가의 일종의 미장아빔(mise en abyme)식 접근과도 다른데, 기존 작업들처럼 실재와 가상, 현실과 이미지의 구분을 무화시키는 역할을 수행하긴 하지만 현실 너머의 텅 빈, 심연의 공간을 만드는 것이 아니라, 프레임의 병렬적 연결, 혹은 그 무화를 통해 그저 또 다른 (이미지의) 현실을 만들고 있기 때문이다.
프레임 속에 또 다른 프레임을, 혹은 다양한 프레임의 실험으로, 다감각적인 이미지의 현실성을 만들어냄으로써 현실과 더불어 끊임없이 교차하고 이어지는 열린 프레임을 생성케 하는 기존 작업들과 달리, 프레임 자체를 무한 반복시키거나 혹은 무화시킴으로써, 현실성을 드러내는 작업들로 읽혀지는 것이다. 아울러, 환영으로서의 이미지와 실재로서의 사물과의 관계성 역시 다르게 접합된다. 이전 작업들이 이러한 관계를 다각적으로 드러내기 위한 실험이나 유희의 성격이 짙은 것들이라면, 이번 전시는 허구적이고 가상적인 이미지 자체가 이미 또 다른 현실일 수밖에 없는 동시대 이미지의 현존 양식을 다소 묵직한 어조로 가시화시키고 때문이다. 이번 전시의 또 다른 작업들인 일정한 속도로 움직이는 거울이 투영해내는 <삼면 이미지>나 여러 대의 LCD 영상 설치작업으로 바깥의 가변적인 풍경들이 모여 전체의 숲 이미지를 만들어내고 있는 <숲> 역시 동시대 이미지의 현실을 드러낸다. <삼면 이미지>의 경우 일상을 뒤덮고 있는 저 가변적인 한낱 이미지들이 유동하면서 또 다른 현실로 작동하는 상황 제시를 통해 우리 자신에 대한 것들을 포함하여 이러한 이미지들의 가변적이고 유동적인 현실을 인식할 수밖에 없는 동시대의 프레임 장치, 테크놀로지를 가시화시키고 있고, 모호하지만 시간의 흐름이 겹겹이 중첩, 적층되면서 깊고 거대한 숲의 이미지를 보여주고 있는 <숲>은 유동하는 현실 이미지들의 현존이라는 시각성 자체는 물론 비가시적인 기억과 무의식, 욕망의 차원까지 확장될 수 있는 이미지의 또 다른 맥락을 드러낸다. 두 작업 모두 특정한 프레임 구조를 가지고 있긴 하지만 앞선 작업들과 다른 방식으로 프레임의 역할이 가변적이고 이미지의 현실적 작동을 드러내는 특정한 역할을 수행한다. 모두 동시대 프레임이 가진 지극히 애매모호한 경계 역할만을 수행하고 있는 것이다. 아울러 장치, 테크놀로지, 매체라는 이 시대의 또 다른 프레임들의 어떤 역할들을 보여준다.
그렇다면 이번 전시에서 작가가 설정한 프레임은 앵프라맹스(inframince)처럼 지극히 얇은 막, 지각이 불가능한 두께로 기능하면서, 이미지와 현실을 연결시키는 그런 것들에 가깝지 않을까? 물리적으로 지각할 수는 없지만 단지 상상으로서만 구분되는, 사이와 간극으로서의 역할들을 수행하면서 말이다. 이러한 프레임으로 연결되는 이미지와 현실은, 개념적으로는 구분이 되지만, 그 실재적 관계가 무화되는, 다시 말해 이미지가 곧 현실일 수밖에 없는 이 시대의 논리를 작동시킨다고 볼 수 있다. 그렇게 저 이미지들과 현실 사이에는 이처럼 지극히 얇고 동시에 투명한 막, 혹은 결국은 없음에 다름 아닌 한없이 무한한 프레임들이 자리하여 서로를 끊임없이 꼬리 물고 이어지게 하면서, 다시 말해 작가의 생각처럼 서로를 병렬적으로 교통시키면서 이미지이자 동시에 현실인 세상의 것들을 만들어내고 있는 것이다. 그리고 그 간극들 사이에 우리 또한 자리하기에 이미지의 현실이 그토록 생경하고 낯설었는지 모르겠다.
그동안 작가는 우리가 살고 있는 세상의 이미지들의 변화무쌍한 현존, 가상적이고 허구적인 것들이 오히려 더 현실적인 것들로 작동하면서 묘한 존재감을 드러내는 다양한 시각적 실험들을 펼쳐왔다. 비현실적인 이미지를 작동시키는 시각장치들을 통해 현실 이미지의 역설적인 상황들, 이른바 시뮬라크르(simulacre)의 시각적 미혹들을 드러냈던 것이다. 허구적인 이미지들이 오히려 현실을 마비시키는 그러한 상황들을 가시화시킴으로써 동시대 사회의 이미지를 둘러싼 시각방식 자체를 다시금 재차 되묻는 작업들을 펼쳐온 것이다. 여기서 작은, 그러나 의미심장한 인식의 변화가 일어난 듯하다. 현실과 무한히 교통되면서 반복되는 이미지들의 현존들 또한 또 다른 현실일 수 있음을 인식한 것처럼 보이기 때문이다. 그렇게 이번 전시는 이미지의 허구성으로 현실을 마비시키는 것이 아니라 현실과 어떤 식으로든 상관되는 이미지 무한한 변형, 증식 자체가 또 다른 현실의 삶일 수 있음을 신중하게 드러낸다. 저 지극히 얇고 투명한, 그렇게 프레임(없음)으로 가득 찬 이 세상을 다시금 주시하면서 말이다.
Extremely thin and transparent, between an image and a reality
Byungjik Min, Vice Director of Alternative Space Loop
An image in Sanghyun Jung’s work functions as an uncanny and denotative thing. Perhaps this is because the artist attempts to reveal a variety of apparatus, or disparate connecting devices for visualizing the complex existence or conditions of an image—a reality and an image, fluid and flexible situations of the real and the virtual—through experiments. However when we mull over this, the existence of an image in reality might not be that vague and complex. It seems that the way an image is operated is, in fact, somewhat sophisticated and elusive. Yet the problem occurs in our current state of life—we have to live in this world where excessive images produced by numerous mass media are universal in our daily life. We have no choice and are hard-pressed to know that this image-created reality produces unprecedentedly changeable and flexible trends, while crossing the boundaries between the real and the virtual, or the online and the offline world. But it does not mean that we need to be startled or frightened of this. Instead, we ought to closely observe the various ways in which an image exists in reality, and be discreet about the actual effects an image can impose on reality, while actively conscious about how meaning could change by them, as suggested in this exhibition.
The exhibition shows the artist’s mature and well-developed thinking and attitude towards an image, or a manner in which the artist deals with an image. The artist stretches his thoughts on an image’s various ways of existence—which fluctuate in between reality and an unreality, or an illusion—in a placid and fully cultivated way rather than having an experimental approach based on impetuous criticism. It feels as if the artist compressed his previous works or approaches into this exhibition. The simple and abstract way in which the artist presents images of the work even add depth to the show. As if demonstrating that abstraction is not a mere simplification but instead is a concentrated thought and another creation of the artist, this exhibition induces the existence of an image in reality to exist in another way such as abstraction. The frame of an image becomes a linkage. But here the notion of a frame is not quite conventional. It is not a concept of emphasizing an image, or of confining an image to decoration. Rather a frame here connects an image to another image, an image and a reality infinitely one after another, through which to expand the concept of a frame as another physical existence in the real world. Or the artist suggests that these various realities and situations, in which we are obliged to live, with that type of frame. However this process is not preceded by free and disparate connections between images nor methods of openly dispersing and connecting images, but is operated through conventional forms of two-dimensional, three-dimensional, and media arts carefully suggested by the artist. The concentrated, refined exhibition components that visualize these suggestions are quite exceptional. Since they are suggested through such refined formats in depth, the intensity of an image’s infinite nature could be reinforced and expanded. The viewer could have an impression that these works deliver an image’s diverse and weighty facets of existence, rather than the multitude of an image’s ever-changing nature, in a simple yet profound manner.
If images are accumulated or infinitely overlapped in parallel, or if frames are linked together, or if the boundaries of the frames become infinitely vague and ultimately erased, will the space of an image make up of an actual space? These are the contents of this exhibition succinctly conveyed by the artist. In other words, when the concept of a frame, which confines and separates individual images and creates borderlines between images, is removed—in that case—does it not literally become a reality itself? The idea of an infinite frame denotes that the barrier dividing an image and a reality will ultimately disappear, opening up a new dimension of reality by means of constructing a situation that is not confined to the interior and the exterior, or a certain boundary. The concept of a frame the artist attempts to achieve with the idea of infinite frame in this exhibition ironically proceeds toward a frameless status, or a kind of a frame which could be placed in between an image and a reality so thin and transparent that it cancels the boundary between them.
In the work titled Mona Lisa, the artist printed out an image of a frame from the painting <Mona Lisa>, overlapping the image of the frame countless times, so that the image becomes another three-dimensional object as opposed to a frame. This process was employed in other works: in <Tile Wall> he printed images of bathroom wall tiles on stickers, creating a minimal work on the wall, in <Iron Bar & Square Lumber> the artist employed printed stickers with images of iron plates and lumber to transform surfaces into sculptural work, and in his work <Granite Book>, printed images of granite were bound into a thick book-like object. All of these works unveil a physical sense of weight, or properties of an image morphed into an actual object by removing the usual function of a frame as a device that confines an image. It is not that the way a frame exists reinforces, decorates, and limits an image, but rather it is by indefinitely connecting images in parallel that a frame demonstrates an image displaying a different kind of reality. Also this is different from the artist’s mise en abyme method, in which the artist placed a frame within a frame to create an abyss in his previous work. While he removes the boundary between the real and the virtual, or a reality and an image as he had in his previous works, this time Jung creates another reality of an image through infinitely connecting frames in parallel, or canceling the boundary, instead of creating an empty abyss beyond a reality.
Unlike his previous work where the artist created an image’s multisensory reality by placing a frame within a frame, or through experimenting with various frames to make an open frame which is ceaselessly crossed over and linked to a reality, the works in this exhibition are construed as something that expose a sense of reality by means of indefinitely placing frames, or canceling the function of it. In addition, the relation between an image as an illusion and an object as a reality are differently jointed here. His previous works were experimental or playful in a way in attempt to illuminate this relation from various angles, whereas this exhibition discusses how an image in the contemporary era exists in a somewhat heavy tone—that is, a fictional and virtual image by itself is already another reality. Other works in this exhibition such as <Three sides of Image> where mirrors moving at a steady pace reflect images as well as an LCD video installation piece titled <Forest> where flexible images of landscape that comprise of the entire image of a forest uncover the image-driven reality today. In the case of the work <Three sides of Image>, it visualizes today’s device functioning as a frame and technologies that force us to perceive this flexible and changing image-oriented reality including the reality of our own, through suggesting that the reality in which ever-changing images surrounding our daily life are operated as another reality, while continuously fluctuating. The other piece <Forest>, though vaguely, shows a deep and grand image of a forest in a flow of time as it is continuously overlaid and piled up, making this process visible. This reveals that the existence of an image ceaselessly fluctuating in reality, invisible memories, subconsciousness, in addition to an image in another context could be extended to touch a realm of desire. Although both works have a certain structure of frame, they fulfill the task to disclose the flickering role of a frame and the actual methodology, in which an image is differently operated compared to his previous works. Both works carry out the role of a highly ambiguous borderline. In addition, they also display the role of another kind of a frame called media today.
Then is the concept of frame the artist established in this exhibition akin to inframince, the idea of which is to connect an image and a reality, while functioning as an extremely thin film to an inconceivable degree? It acts as a gap and space in between, something that cannot be physically recognized but can be distinguished only in imagination. An image and a reality connected by this kind of a frame can be conceptually distinguished, however their actual relation is disabled. In other words, it operates the logic of this contemporary era, in which an image equals a reality. In between an image and a reality—extremely thin and transparent films, infinite frames almost close to nothing—are connected to one after another, intersecting together in parallel, while creating things that are an image and at the same time a reality. And perhaps since we also are placed in between those gaps, this image-oriented reality felt so strange and unfamiliar to us.
The artist has been conducting various visual experiments that expose images in our world, functioning as changing beings and virtual and fictional things that become more realistic than a reality itself. The artist disclosed the paradoxical situations around an image, the so called visual delusion of simulacra, through visual apparatus that operates an unrealistic image. Through making those situations where fictional images adversely paralyze a visible reality, the artist has created work that asks again the visual mechanism by which images in contemporary society are operated. Here a small yet meaningful shift in perceptions seems to be occurring. Because it suggests that the artist seems to have realized even the existence of the images boundlessly interacting with a reality can also be another type of reality. In that way, this exhibition discreetly reveals that the infinite transformation of an image associated with a life by any means, a proliferation itself, can be a life of another reality, rather than paralyzing our idea of reality with an illusion of an image.